意大利歌剧的起源与发展
-----和其世界性
学生：
意大利歌剧是一种综合性的艺术形式：音乐、戏剧、诗歌、视觉艺术、舞蹈，所有这些艺术门类的特点都能够在歌剧中找到。意大利歌剧起源于文艺复兴时代之后的意大利，然而后来许多非意大利的欧洲作曲家也写作意大利歌剧，如亨德尔、格鲁克、莫扎特等。意大利歌剧就如同代名词一般融入到了音乐之中。当然也有一批意大利本土的作曲家创作了一批辉煌的作品，如罗西尼、贝利尼、多尼采蒂、威尔第和普契尼。其实歌剧，曾是意大利流行歌曲。
要读懂意大利歌剧就要首先了解这个多愁善感而又容易情绪激动民族！
意大利处在阳光充足的地中海北岸，就像孕育那里丰美的葡萄园和橄榄树一样，孕育了意大利人天生的好嗓子。意大利语除外来词外，每个词均以元音结尾，每个音节要求发音清晰准确，重音又大都在倒数第二个音节上。这样，说起米琅琅上口，悦耳动听，富有音乐性与艺术性。-《各国手册丛书意大利》这种语言既有利于文学创作，又利于音乐歌唱，也易于启迪意大利人的美术灵感。
歌剧于17世纪开始兴起，这是文艺复兴时期音乐艺术在各个领域长期发展取得的必然结果。歌剧的诞生是对巴洛克时期最伟大，最具有意义的贡献，这对巴洛克时代新体系与新体裁的发展与完善更起了巨大的催动作用。17世纪声乐教育也进入了“美声唱法时期”而美声唱法恰恰是与歌剧紧密联系的，他们相互作用。歌剧作为音乐艺术的一种体裁，它的起源可以追溯到古代欧洲，在中世纪，曾出现过牧羊剧这种歌唱加表演的体裁。12-13世纪一种与牧羊剧相似的“田园剧”也登上舞台这是一种在和声伴奏下自由吟唱的音调它不但可以用在同一首诗歌中，还可以用于整部戏剧。到15、16世纪戏剧的体裁延伸到了宗教和具有神秘色彩的奇迹剧这些戏剧的表演方式或多或少的影响到了近代意义上的歌剧！
歌剧的风格是富有戏剧性的单声部旋律和主调音乐的结合。 第一部有记载的歌剧诞生与意大利的佛罗伦萨，是音乐乐家培里为王室婚礼创作的，根据努契尼的脚本，写作的歌剧《优丽迪茜》，这是一部关于一名男子勇敢的冲向阴间，用自己的勇气来拯救妻子拯救爱情的故事。这部歌剧采用了多种风格的单声部歌曲，使其旋律性和抒情性更加的突出。 第一部 歌剧《尤丽迪茜》
歌剧在意大利这个音乐国度快速的发展开来。更有一批为音乐事业而做出支持贡献的贵族投资者和庇护者对歌剧推崇备至。这时的歌剧开始出现分派。这些不同地区、不同时期、不同风格个歌剧大致可分为：佛罗伦萨歌剧、罗马歌剧、威尼斯歌剧和那不勒斯歌剧。
1.佛罗伦萨歌剧。
16世纪下半页，佛罗伦萨地区出现了一个非官方音乐研究的团体，称之为“佛罗伦萨卡梅拉塔会社”，成员多由贵族身份的青年诗人和作曲家为主，他们的主要目的是把音乐和戏剧更好的融合起来，以产生更大的艺术感染力和舞台演出效果！经研究认为单声部的旋律开发了嗓音的音区，音高起伏，节奏变化等表现力，这些旋律决定并支配了听众的感情，相反，以往那种用不同声部演绎不同歌词旋律的方式都让听众难以理解和欣赏，这种音乐最多能称为器乐合奏。因此，他们选择了为歌词谱曲的正确方法。即用音乐来说话，用独唱的旋律来强化和表现语言的丰富多彩。
2，罗马歌剧。
罗马歌剧偏重于神话寓言故事，宣扬教会理念，有浓厚的宗教色彩，追求奢华富丽的舞台效果以满足贵族们得虚荣心。这与佛罗伦萨的歌剧理念大相径庭。罗马歌剧在音乐创作上把宣叙调变的更加富有
‘富丽奢华的罗马剧院’
语言化，而咏叹调则变得旋律性更强，。罗马歌剧多为取悦贵族迎奉教会而进行演出，
意大利的歌剧发展到现在，出现了一位对歌剧有举足轻重的伟大作曲家——蒙特威尔第。此时的他已经作为牧歌作曲家而闻名于世，并由此享有很高的声誉。他认为音乐不止是一门技巧性的艺术结构，单纯的带给观众视觉听觉的享受，表达心中的忧郁悲伤希望，而是应该作为内心情感与心灵的窗口，刻画人们对仇恨恐惧愤怒这些复杂的内心世界，形成‘兴奋激动’的歌剧音乐。他把这种原则刻画在艺术形象中，使形象边得更为富于色彩，动人心魄，
1607年，蒙特威尔地在曼图阿演出了歌剧《奥菲欧》，作为意大利那个时代最杰出、最伟大的作曲家，蒙特威尔地奠定了意大利歌剧乃至西方歌剧的全部基础。这部歌剧由于其宏大的场面和氛围以及人物的个性化而显得更加丰富多彩。他把对妻子病重到去世时的悲痛欲绝淋漓尽致的融入到人物作品中，这种生离死别正与剧中人物吻合，蒙特威尔第使用了幕间剧所惯用的大管弦乐队，以烘托情绪。他还使用了舞蹈及剧场舞台的各种机关，来创造出深受那些尊贵的观众和赞助人喜爱的富丽堂皇的场景。他还从佛罗伦萨学到了宣叙调的手法。最特殊是他对戏剧组织的天赋，作为一位牧歌作曲家的经验使他的风格中有一种意味深长的和声表现方法，不协和音与半音阶是其中的组成部分。《奥菲欧》可以说歌剧界最古老的标准保留曲目的歌剧，这是由于它的艺术价值，而不仅仅是历史价值。
3，威尼斯歌剧。
威尼斯歌剧最大的特点在于：民主化、市民化、商业化和其娱乐性。
威尼斯这个传统商业小城，剧院一般不接受贵族赞助，采用自负盈亏方式，这就决定了威尼斯歌剧必须向广大市民开放，它的内容与形式必须与市民阶乘的审美情趣相适应，否者无法生存，当时电力没有产生，演出多靠演员自己的发生来完成，所以美声唱法在歌唱中普遍被运用，剧情趋向于复杂化，剧本结构严谨。这是舞台装置基本实现了机械化，课模拟海战，诸神等，还可以进行升降活动。威尼斯歌剧还有一个特点，演员和乐队人数较少，其中部分原因与歌剧院的经济效益有关。威尼斯歌剧主要作曲家是蒙特威尔第的两个学生：卡瓦利和切斯蒂。
这时意大利歌剧基本定型，独唱成为歌剧的主要唱歌形式；咏叹调与宣叙调实现了分离；新的美声唱法在歌唱演唱中占据了绝对主导地位；音乐与歌词的关系，由最初佛罗伦萨艺术集团坚持的音乐从属与歌词，开始出现音乐凌驾于歌词之上的倾向。
4，那不勒斯歌剧
17世纪80年代左右，意大利的歌剧中心逐渐移向那
不勒斯，并逐步取代威尼斯成为意大利新的歌剧活动中
心，一批批成果卓越的那不勒斯作曲家的足迹遍布欧洲
各地，这对歌剧在全欧的推广与普及起到了积极的作用。其艺术风格：幽默、明快和富于活力的喜歌剧特点，典雅的外在形式，用优美的音乐来弥补戏剧性的相对性减弱。
这一时期的代表作曲家是亚力山德罗·斯卡拉蒂。他的作品多采用生活喜剧或历史传说，另外还有700余首康塔塔、清唱剧、弥撒曲等。斯卡拉蒂强调歌剧是用音乐表现的戏剧，必须突出音乐在歌剧中的核心地位，人物的感情发展应该用音乐来表现，成为音乐形象，歌词作为辅助，只是一种提示不起关键作用。
以神话英雄为题材的咏叙调，自由咏叹调“正歌剧”也出现在这一时期。至此，歌剧开始转向法国，英国，德国等地。
说起意大利歌剧那就不得不提起阉人歌唱家，教会曾经发布过这样的指令‘令妇女们再教堂中保持安静’这就决定了在教堂教会一些重要的场合中妇女是严令唱歌的，由于宗教教皇拥有至高无上的权利，这令女性不仅被剥夺了在教堂发言和歌唱的权利，进而也失去了在剧院和其他公共场合歌唱的权利，这样教会音乐中空灵的高音部分就出现了空缺，于是教会不得不找到一些嗓音条件突出的男童来代替女声，但缺陷也随之而来，男童的歌唱技巧难以培养，没有足够的气息来支撑高难度的演唱，之后生理上的麻烦也接踵而来，男童在变声期时，力量虽然增强了，但是嗓音也会随之的变粗，并且越来越缺少灵活性，而这些觉对不是模拟女声就可以解决的，。于是，一种和刑法相同的阉割术被采用到了歌唱领域这就出现了阉伶歌手这个特殊的人物。通过手术阉割的男童伴随着身体的生长，嗓音也越来越高，甚至于嗓音最高的女高音都很难与之匹配！
阉伶歌唱家： 法拉内利
阉伶歌唱家以他无法比拟的优势成功的代替了女声，并且迅速的占领了歌剧舞台。这一时期有影响的声乐教育家几乎都是阉人歌唱家，他们用美声唱法把正歌剧推向了巅峰，他们创造出了一个又一个的经典，著名的阉伶歌唱家有：卡法瑞利、法拉内利、古阿达尼等。 意大利歌剧当中的选段逐步走入声乐歌曲中，声乐作品与歌剧已经密切联系在一起。这时的意大利进入了真实主义时期，这个时期的艺术歌曲要求反应现实，客观的记录生活。这就间接的影响了意大利歌剧的发展，在这一时期创造出了更加铿锵有力的英雄主义的“辉煌唱法”。在真实主义的歌剧中，更加注重声音音量的强烈对比和色彩的渲染，在表演中更加充满了戏剧性的激情。 这一时期的代表人物有马斯卡尼，普契尼等。
作为意大利真实主义歌剧的主要代表人物，普契尼的歌剧善于从平凡朴素的市民生活中捕捉小人物的喜怒哀乐，社会底层人民的感情和命运，揭露现实社会的不公平不正直，，人物形象鲜明，戏剧效果强烈，地方色彩浓郁，舞台效果突出。运用民族地方传统音乐，在《图兰朵》和《蝴蝶夫人》中较好的宣扬了东方文化。作品曲式结构灵巧多变，音乐和戏曲相辅相成，充分体现了他驾驭歌剧舞台的艺术造诣。
19世纪以后，意大利的罗西尼、威尔迪、普契尼，德国的瓦格纳、法国的比才、俄罗斯的格林卡、穆索尔斯基、柴科夫斯基等歌剧大师为歌剧的发展作出了重要贡献。作曲家罗西尼继承了传统的意大利歌剧注重旋律的做法，同时又吸收了同代作曲家贝多芬的手法，使用管弦乐来取代和丰富原来仅作音高提示的古钢琴伴奏，作品中洋溢着生活的快乐丰富的智慧，流露出真实和欢快的情绪。这个时期当中还有成型于18世纪的“轻歌剧”已演进、发展进而成为一种独立的体裁。它的特点是：结构短小、音乐通俗，除独唱、重唱、合唱、舞蹈外，还有说百。
经过19世纪中叶之后半个多世纪的探索，意大利歌剧结合了舞蹈、戏曲等逐渐走向世界，变的更加多元性，结合了这些因素，成为了一种具有独特魅力的艺术作品。
19世纪末期欧洲音乐进入后浪漫主义时期，这时的意大利歌剧已经开始产生了多元性。歌唱家可以单一演唱歌剧的某个选段，这打破了长久以来演出歌剧需要的场地，精美服装，大型乐队，更倾向于方便的小型演出，但这也有缺点，剧情和舞台效果的减少，影响了观众欣赏作品的完整性。
20世纪初期，歌剧作曲家大多受瓦格纳的影响，如斯特劳斯的《艾莱克特拉》《莎乐美》等，作品尖锐恐怖，和声给人以杂乱无章的感觉令人惊骇。歌剧发现至此，已经开始出现把无调性原则
运用到歌剧当中。如贝尔格的《沃采克》。
意大利歌剧迅速在各地传播，这时的意大利歌剧不仅
仅是意大利歌剧，它已经演变成了一种激发情感给人娱乐的世界性音乐艺术！
20世纪歌剧这门艺术开始走向了中国，五四运动之后，中国音乐家开始吸收接受西方音乐文化观念，并对歌剧这种西方音乐艺术开始进行结合，中国音乐家从国情和民族审美观点出发进行大胆尝试，这便出现了一批带有西洋音乐的主要特征，也带有中国色彩的新歌剧。
《白毛女》是中国历史上第一部具有中国国情的歌舞剧。歌剧围绕主题“旧社会把人逼成鬼，新社会把鬼变成人”以意大利歌剧为雏形，融入了芭蕾，加入了京剧的唱、念、做、打等表演手段和传统程式，吸收了一些俄国，和前苏联的写作手法，受到强力集团的一些影响，根据内容需要在剧本、舞台、音乐、等方面进行改革，使白毛女这部歌舞剧具有专业化、国际化。
《白毛女》喜儿，杨白劳 在现今社会中，歌剧已经成为了一种全球性现象,它不仅仅可以用意大利语来演唱，更为不同肤色和不同文化背景的人们所喜爱。它不仅可以陶冶情操,更重要的是它本身所散发出的艺术魅力值得去思考和回味。英国日记作家约翰·伊夫林在《歌剧手记》中提到;“歌剧是人类发明的一种最为壮丽奢华的娱乐。欣赏歌剧首先应该在了解歌剧艺术的基本特征和掌握歌剧要素的基础上,才能更好地理解歌剧所要表达的深刻内涵。
歌剧在进步，从最初的古希腊戏剧到中世纪以宗教故事为体裁，
宣扬宗教观点的神迹剧，再到文艺复兴时期出现真正意义上的歌剧，
歌剧已经出现了几个世纪，它的故乡意大利也在随着进入 “世界化”这个大潮流中，它不仅仅作为一门艺术被世界 人民所接受喜爱，更是慢慢开始走向全球行发展方向。
歌剧在当今中国已经陷入了一个误区，通常会认为，歌剧是高雅艺术不适合普通大众，其实这是错误的，与歌剧的发展初期是相违背的。在西方用于歌剧演唱的美声唱法有着深厚的群众基础，经过三百多年的传承，已经形成了其独有的审美理念。其实不管歌剧以何种方式来到你我身边人们对声音美得最求是一样的。歌剧作为音乐的一种表现形式它即可以提高人们的审美意识，还可以陶冶情操，有音乐美育的效果。
维也纳国家歌剧院
歌剧的世界性在渗透着我们的生活，今后发展的方向也必定会多种多样，在快时代的今天怎样能更好的发展歌剧这个古老而大众的艺术或许可以另你我进行一番深思。
艺术的生存是离不开广大人民群众的！如果太过于小众，那么必定会在历史的潮流中退去。如同罗马歌剧乐派一样，成为历史长河中的一束星光。只有打破体制约束、改革管理模式、优化财务状况、巩固传统努力创新、提高演艺水平，歌剧演出市场也会迎来灿烂辉煌的明天！